Arte colonial

12 de septiembre de 2014

ARTE COLONIAL

Iglesia de Nuestra señora de la Candelaria, Bogotá D.C

http://www.colombia.travel/es/images/stories/turistainternaciona
l/Quehacer/informeespecial/turismo_religioso/iglesia_de_la_candelaria.jpg

La iglesia es de planta rectangular, de tres naves (la principal o central y dos laterales), separadas por arcos de medio punto sobre pilares. La nave central es más alta e iluminada en lo alto por ventanas, las cuales están alineadas con los arcos de medio punto y entre las ventanas se localizan unos cuadros antiguos.

Los frescos que se encuentran en esta Iglesia dan a conocer su origen Barroco, ya que en estos se ve mucho el uso del claro oscuro y se le da mucho énfasis a la luz. Allí también se pueden ver muebles barrocos, en donde la decoración de las patas delanteras es muy elaborada mientras que por la parte trasera es nula.

 

MUSEO NACIONAL DE COLOMBIA

"Se llama La Lechuga por el verde intenso de sus 1.486 esmeraldas, todas ellas excelsas . 
Tal es la calidad de estas gemas que la custodia representa se ha dicho los mejores ejemplares 
de más de cien años de producción esmeraldífera.

La fabricó el español Joseph Galaz con dos orfebres más, entre los años 1700 y 1707, por encargo
de La Compañía de Jesús de la Hidalga Villa de Santa Fe de Bogotá. Por eso, también se conoce 
como la custodia de los jesuitas.

Su elaboración costó 1.100 pesos (equivalente a cien mil dólares de hoy) más la alimentación de 
los tres orfebres. En este importe no estaban incluidos los materiales , pues solamente su gran 
topacio brasileño valió en ese entonces 400 pesos (cuarenta mil dólares)."

Custodia La lechuga

Fuente

http://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-357237

Breve reseña sobre Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos

Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos nació en Bogotá el 9 de mayo de 1638 y murió en 1711.  Era un importante pintor colonial neogranadino, que fue instruido bajo la enseñanza de Baltasar Figueroa, otro gran pintor de la época. Sus modelos proceden de grabados que exponen obras de la pintura europea barroca de las cortes católicas.

Vásquez desarrolló y perfeccionó una pintura detallada por delicadas capas de color, en la cual fijó contrastes de luz y de sombra de la misma forma que utilizaban los maestros italianos y españoles en ese periodo. Sobrepasó a los maestros de su tiempo debido a la calidad y el esfuerzo que representaba en sus múltiples obras.

Bibliografía:

Fajardo de Rueda, Marta. (s.f.) Vásquez De Arce y Ceballos, Gregorio. Recuperado de http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/biografias/vasqgreg.htm

La ilustración

9 de septiembre 2014

LA ILUSTRACIÓN

Siglo XVII

EL DESARROLLO DEL CONSUMO

Descubrimiento de America

Inicio del periodo colonial. En este periodo empiezan a salir productos americanos nunca antes vistos. Establecen colonias para obtener dinero y productos. El café, el te y el chocolate aparecieron como productos muy apetecidos.

Porcelana de Meissen 
h. 1720
Museo de Artes decorativas de París 

La compañía de las indias

Cada país tenía 2 compañias, la oriental (India) y la occidental (America), las cuales eran financiadas por el gobierno o en otro caso por el rey. Fueron enviadas a explorar nuevas rutas de comercio y encontraron a los indígenas americanos que comercializaban pieles. Fue por esta razón que los Ingleses, a los cuales les llamó mucho la atención las pieles americanas, le quitaron el comercio en este sector a los holandeses.

EL DESARROLLO DE LA CIENCIA

La educación y la alfabetización son más comunes. Muchas personas despiertan curiosidad por el desarrollo de la ciencia y nuevos descubrimientos. Algunos de los inventos de esta época fueron el globo aerostático, los estudio geográficos y de la óptica, los estudios anatómicos de medicina y el plano cartesiano de  Descartes.

ción de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp 
Rembrandt 1632 

EL DESARROLLO DE LAS IDEAS

Aca se presentan los pensamientos de algunos filósofos y pesadores

Diderot: Su pensamiento se debatía entre la razón y la sensibilidad. Fue el precursor de la primera enciclopedia.

Montesquieu: Los poderes legislativo y ejecutivo debían estar separados en el estado. Y existe un orden o causalidad de los hechos, a lo cual le llamó la respuesta sociológica.

Rousseau: Ideas sobre la libertas y la civilización a través de la educación.

Denis Diderot 
Louis-Michel van Loo 1767 

¿Cuáles fueron los productos cultivados u originarios de América más apetecidos en Europa desde el siglo XVII? 

Los productos cultivados en América más apetecidos en Europa en el siglo XVII fueron:

• La caña de azúcar: el precio del azúcar quedó libre al no ser tasado por las autoridades, lo que estimuló su exportación a Europa al igual que el consumo del  café y el té.
• El añil: era una sustancia tintórea que se extraía de una planta americana llamada “xiquilite” que al ser macerada y sometida a batidos producía un tinte azul.
• El cacao: era dieta básica para los indígenas andinos y mexicanos. Esta llegó bajo la forma de bebida y adquirió bastante importancia en Europa. México y España se convirtieron en los mercados más apetecidos del cacao venezolano.       

·       *El tabaco: Era un producto indígena que ganó el mercado Europeo. Favoreció considerablemente la economía colonial. Su cultivo se extendió desde Cartagena (Colombia) hasta Nueva España, y logro gran calidad en las Antillas (Cuba). El cultivo del tabaco fue monopolizado por el Estado desde 1764. En Europa era consumido y utilizado para combatir enfermedades como ulceras, asma, cefaleas y reumatismo.

 

                                                    

Bibliografía:

  

Araya Pochet, Carlos. (1995). Historia de América en perspectiva latinoamericana.España: EUNED.

López muñoz, F. Álamo, C. (2007). Historia de la psicofarmacología, Volumen 2.Editorial medica Panamericana.

Rococó

5 de septiembre de 2014

Rococó (Charla JG)

En este periodo se da una lucha entre la persona como personaje público y la personalidad. El Rococó se caracterizó por una peculiar mirada a la naturaleza (detalle natural de las cosas). Por ejemplo, en las flores ya no la ven como un universo completo sino que estudian el detalle como “¿cómo crecen las flores?”.

Las expresiones sociales como la danza, permiten expresarle a la otra persona mensajes lo cual produce más libertad y espontaneidad a la hora de socializar y en la escogencia de ropas y demás. La gestualidad, la estética y el maquillaje se entienden como un lenguaje que demuestra y expone la personalidad de las personas. 

Alrededor del 1710 los palacios entran en un periodo de remodelación y redecoración ya que todo fue descuidado para centrarse en el Palacio de Versalles y el gobierno de Luis XIV. El diseño forma una parte fundamental en este periodo, en el cual el diseñador tiende a ver las partes de un todo. Luis XV hereda el trono e implementa nuevos códigos sociales y de comportamiento (lucha entre la personalidad y la persona) basados en la ideología de “La alegría de vivir”.  Debido al cansancio colectivo en la sociedad, surgen nuevas posibilidades de escoger de acuerdo a los gustos de la persona. El exotismo en el diseño plantea la posibilidad de hacer un viaje sensorial a diferentes culturas, en el cual asume valores y diseños de diferentes culturas. Cada casa se caracterizaba por el diseño de su dueño en donde se reflejaba la personalidad y los gustos de la familia. Los sirvientes se empiezan a ver como una invasión a la privacidad, es por esto que se crean muebles con diferentes propósitos en específico para suplir las necesidades de no tener sirvientes. Por ejemplo, en el caso de las chimeneas los criados atizan el fuego por detrás para no interferir con la privacidad.

También los muebles comienzan a responder a situaciones posturales para incrementar el confort y el placer en la gente.

Barroco- Contextualización

2 de septiembre 2014

BARROCO

Siglo XVII-Siglo XVIII

- Mostrar materialmente la riqueza y el poder de la iglesia y los monarcas -

El término barroco fue utilizado para designar las tendencias del Siglo XVII consideradas artificiosas, exageradas, absurdas y de mal gusto. El estilo barroco quería demostrar el poderío del papado y de los estados absolutistas quienes utilizaron el arte como medio de persuasión.

La Iglesia pierde territorio y se ve amenazada por el protestantismo. La Iglesia necesita cambiar, entiende que no es tiempo de racionar sino de hablar de los posibles placeres después de la vida. Las experiencias religiosas se vuelven místicas, cuando el fiel entrega su corazón emocionalmente se entrega incondicionalmente al sistema político de la Iglesia.

El Estado Francés es un estado glorificado en donde todo gira en torno al rey Luis XIV, conocido como el rey sol. En este reinado la corte no es participativa, se toma como referencia donde todo debe ser perfecto. El rey XIV vivía en el Palacio de Versalles, y su cama en dicho palacio era el centro ya que representaba al sol y por tanto la “vida” del palacio. La jardinería cerca al palacio es cortada en bellas formas geométricas por estar cerca al “sol” y a medida que se aleja se transforma en bosques tupidos y oscuros.

·      La basílica de San Pedro: Julio II mandó a demolerla en 1506 y encargó a Donato Bramante para reconstruirla y que esta fuese mucho más imponente y grande para demostrarle a los fieles el poder de la Iglesia. En esta basílica trabajaron muchos artistas reconocidos como por ejemplo, Miguel Angel pintó los frescos de las bóvedas con gran detalle para que las personas tuvieran imágenes claras y asi causara una mejor sensación y experiencia al verlos.

 

Rey sol Luis XIV

Desde el diseño: ¿Qué aspectos consideran más llamativos de la película Vatel? 

·   La escenografía:   La dedicación, el trabajo y el diseño que tenían los escenarios; los espectáculos y las celebraciones nos transportaban a otra realidad de perfección y gozo. Todo esto era gracias a la calidad del diseño y de la arquitectura demandada por lo que quería proyectar y lograr el Rey en su público.

·     Los Banquetes: Vatel organiza y prepara múltiples festines y cenas en los cuales su objetivo es deslumbrar al Rey y la corte de Versalles. Para llevar a cabo esta tarea, él dispone de muchos sirvientes que ayudan a la elaboración de menús muy elaborados, acordes a la temática y lo que deseaba mostrar el Rey. Me llamó mucho la atención la decoración en la comida,  la manera  en que la embellecían y la organización que hacían para resaltar varios elementos respecto a otros.  La forma artística en la que proyectaban las cenas dejaba al usuario asombrado y admirado de la creación que podían hacer con algo tan común como era la comida. Ya no se pensaba en la comida como algo necesario e indispensable para el ser humano, sino en un arte y la ocasión perfecta para que los artistas y diseñadores crearan universos y realidades nuevas conforme a su imaginación fantástica y artística.

Bibliografía:

Joffé, R. (Productor y director). (2000). Vatel: (DVD). Francia, Reino Unido y Bélgica: Sherlock Media.

Barroco francés

29 de agosto 2014

Barroco Francés S. XVII

Barroco (Charla JG) 

La Iglesia

En los siglos XVII y XVIII la iglesia católica ha perdido la mitad de su territorio y también muchos de sus ingresos. Surge el protestantismo y las reformas el cual valora más el trabajo honrado y hace que la gente valore más su felicidad por medio de logros personales, sin ser castigados y sin sanciones como la iglesia lo veía.  Para atraer nuevamente a las personas los servidores más fieles cambian su servicio  e imaginan otras alternativas, en donde transportan su visión celestial a la tierra; la sensualidad es muy importante transmitirla en sus obras al igual que la vida, la alegría, el éxtasis, etc. Lo que buscan es mostrar la experiencia religiosa como una experiencia mágica y mística (carnal y sensorial).

La Francia Barroca plantea una alternativa del barroco fascinante, en el cual copiara a un Estado transparente, sublime y perfecto. Luis XIV el rey barroco por excelencia, construyo un universo de placeres sensoriales análogo al Estado. Luis era el motor del mundo y era comparado con el rey solar el cual le daba vida a todas las cosas a su alrededor. Los monarcas y reyes se valieron del Arte para demostrar su poder. La cama del rey era el centro del palacio ya que se creía que cuando despertaba el rey salía el “sol” y cuando se acostaba se ocultaba, esto simbolizaba la vida la cual solo podía existir y funcionar con armonía si el rey estaba presente de lo contrario sería una caos. Los jardines de los palacios estaban construidos en forma de figuras geométricas resaltando el poder y el control que tenía el Estado sobre todas las cosas a su alrededor. En el jardín el rey fue retratado como apolo atendido por sus ninfas, lo cual significaba que al rey no lo veían como un ser humano de carne y hueso sino como un Dios con un poder celestial imponente, al cual no había nadie que lo pudiera superar o derrotar. Hubieron grandes influencias en moda como maquillaje, vestimenta, lunares, pelucas, entre otros, con el fin de “homogenizar” el estado y que todo girara de acuerdo a los gustos e ideales del rey.  

Francia deja de glorificar a la iglesia para glorificar al Estado. En esta sociedad importaba más la apariencia y el significado de lo que representaba una persona. En esta apariencia y transformación la sociedad se homogenizo en muchos aspectos ya que no importaba la esencia de la gente. Los niveles de calidad en el diseño llegaron a niveles extraordinarios y perfectos que asombraron a todos.    

¿Qué eran las fábricas de Gobelinos de Luis XIV? Manufacture Royale del Gobelins de Paris

Luis XIV tenía un gusto extravagante y grande para la arquitectura, los jardines y la escultura.  Las fabricas de Gobelinos de Luis XIV estaba dedicada a fabricar tapices y alfombras. En los Gobelinos trabajaban más de ochocientos obreros; se alojaban trescientos en la propia fábrica; los mejores pintores trabajaban y dirigían los trabajos sobre sus propios dibujos o sobre los de otros artistas de Italia.

En el recinto se fabricaban también ouvrages de rapport,   un mosaico admirable el cual era trabajado hasta alcanzar su máxima perfección.  La marquetería fue llevada a un nivel de superioridad y excelencia mayor al de otras fabricas en ese periodo.

Tapestry: The Striped Horse from the Old Indies Series (1692-1730). Woven at Gobelins Manufactory (French, active 1662-present). The J. Paula Getty Museum, Los Angeles.

Bibliografía:

Voltaire. (2014) El siglo de Luis XIV. E-FOCUS. Recuperado el 30 de agosto 2014 http://books.google.com.co/books?id=KRGWAwAAQBAJ&pg=PT239&dq=fábricas+de+Gobelinos+de+Luis+XIV&hl=en&sa=X&ei=peQMVIbzIZHmsATp0YLYCg&redir_esc=y#v=onepage&q=fábricas%20de%20Gobelinos%20de%20Luis%20XIV&f=false

Renacimiento- Humanismo y Arte

22 de agosto 2014

RENACIMIENTO

Siglo XV-Siglo XVI

-       El renacimiento se caracterizó por el humanismo, donde todo se centra en el ser humano. La clase alta (burguesa) reflejaban su dinero en cosas materiales muy extravagantes y costosas como zapatos muy altos, perros, candelabros, pieles, encajes. La peste bubónica influyó en el cambio radical del pensamiento. El clero se renovó, las prácticas religiosas pasaron a ser privadas por miedo a salir, la iglesia pierde poder (al leer la Biblia el pueblo nota que no todo era verdad). Italia es la cuna del renacimiento ya que sus condiciones geográficas favorecieron el intercambio cultural intensivo y el desarrollo del comercio. 

    Algunos de los inventos de esta época fueron la brújula, la pólvora, el reloj mecánico y la imprenta. Los mercaderes eran la clase más educada de Europa. Aca  ya existían escuelas: de latín común (“públicas”), independientes (“privadas”) y ábaco (habilidades para saber comerciar). Las operaciones bancarias modernas fueron introducidas: cambio de divisas, depósitos, transferencias y crédito a interés.

-       Inicio del capitalismo.

Los Medici

La familia Medici, una familia de banqueros, es conocida por ser una de las más importantes en Europa gracias al Vaticano. Esta familia se encargaba de los diezmos y fue el banco oficial del papa.

Uno de sus integrantes, Cosimo (1389-1464) fue el fundador de una de las dinastías más importantes de Europa. Se interesó por las artes y el descubrimiento de nuevo conocimiento. Cosimo se volvió un mecena (mantenía artistas) de artistas muy importantes  debido a que el arte se volvió signo de estatus.

Cósimo de Medici
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fa/Cosimo_di_Medici_(Bronzino).jpg

26 de agosto 2014

Arte del Renacimiento

Masaccio (Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai)

Nació en 1401 en Arezzo, Italia. Fue un reconocido pintor, quien trabajó en solemnes composiciones con Filippo Brunelleschi, arquitecto, y Donatello, escultor.

Perteneció a la gran escuela pictórica florentina iniciada por Cimabue en la segunda mitad del siglo XIII. Dicha escuela fue influenciada por Giotto, quien afirma el plasticismo y la ilusión de lo real.

Masaccio logra transfigurar la realidad con evidencia plástica en sus obras, ya que su temperamento era resuelto y profundo.

Uno de sus más reconocidos trabajos fue la decoración de la capilla Brancacci, donde trabajó junto a Masolino.

La trinidad de Santa Maria Novella

(Iglesia del Sana Maria Novella–Florencia)

Italia

Esta obra expresa su franca adhesión al nuevo orden del Renacimiento. Se sintió atraído por la búsqueda de la perspectiva, siguiendo así la arquitectura de Brunelleschi. Ofrece una ilusoria profundidad espacial que se cierra con rigor geométrico.

El tributo

(Iglesia del Carmine–Florencia)

Italia

Es su obra más clásica por la disposición equilibrada de los apóstoles alrededor de Cristo. Por un lado, consigue idealizar la noble imagen de Jesús y por el otro trazar el publicano en su terrestre torpeza.

Chisme histórico

• La muerte de Masaccio está envuelta en el misterio. A. Billi (1516-30) dice que fue envenenado, pero no se cuenta con ningún otro testimonio.

•  Brunelleschi después de haber sido informado del suceso dijo “Hemos sufrido una gran pérdida”.

Bibliografía:

Berti, Luciano; Foggi, Rossella (1989). Masaccio. Madrid, España: Akal, S.A. (1992).

Unesco 1956. Salmi, Mario 1889. Masaccio: los frescos de Florencia. Paris: New York Graphic Society,  1956.

Schoenbaunm, Samuel (1974). A compact documentary life. Editorial de la universidad de oxford (1987)

Arte del Renacimiento 

Durero

Alberto Durero fue el 3cer hijo, de 18 hijos , hijo de un orfebre trabajador también llamado Alberto y Bárbara hija de un maestro de taller, luego de pocos años de ed. Escolar pasa a ser aprendiz de su padre, al criarse en un ambiente donde veneraban a Jan Van Eyck y Rogier van der Weyden, con el tiempo se vuelve aprendiz del mejor pintor de Núremberg Michael Wolgemut, grandes influencia de Martin Schongaver, su esposa se llamo Agres frey
Entre muchas de sus obras unas de las más importantes fueron el Adán y Eva y su autorretrato. El Adán y Eva fueron hechos en 1507 y se encuentran en el museo de prado en Madrid España, mientras que el autorretrato fue hecho en 1500 y se encuentra en el Alte pinakothek en Múnich .

Bibliografia:
*Panofsky, Erwin  Vida y arte de Alberto Durero. 3era ed. Madrid:Alianza forma, 1995